Histoire de l'art

10 tiroirs principaux (et ce qu'ils nous enseignent)

10 tiroirs principaux (et ce qu'ils nous enseignent)


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Le plus grand dessinateur au monde aurait pu être une apprentie d'un autre artiste en rococo France, ou un dessinateur de la Renaissance rendu invisible par les reflets d'un maître reconnu d'une ville-État voisine plus puissante, ou un professeur d'art effacé travaillant actuellement au Minnesota.

Choisir les 10 meilleurs tiroirs de tous les temps est un jeu de société d'une valeur douteuse. Au lieu de cela, nous avons décidé de compter le nombre de fois où des figures historiques ont été référencées ou reproduites dans les 10 premiers numéros de Dessin magazine et présentez-les avec des commentaires éclairants d'un artiste réfléchi et d'un représentant de l'une des institutions artistiques les plus respectées du pays.

Chacun des 10 artistes présentés ici propose des dessins d'une beauté exquise; mais, plus important pour nos objectifs, chacun offre des idées et des leçons que tout dessinateur peut utiliser. Nous explorons pourquoi le travail de ces personnes est si inspirant.

Léonard de Vinci

Léonard de Vinci (1452-1519) a été la première superstar incontestable de l’art et son génie est incontestable. Mais Ephraim Rubenstein, un artiste qui enseigne à l'Art Students League de New York, à Manhattan, mélange son admiration pour Leonardo au point que même ce grand renaissant n'est pas sorti du vide.

«Leonardo a tellement gagné d'Andrea del Verrocchio, qui était une formidable enseignante», explique Rubenstein. «Tout le monde sort d'une tradition; personne ne vient de nulle part. Leonardo a appris les débuts du sfumato auprès de [son professeur], entre autres choses. »

Né le fils illégitime d'un avocat dans la ville toscane de Vinci, en Italie, Leonardo était un scientifique, un inventeur, un pionnier dans l'étude de l'anatomie et le peintre des chefs-d'œuvre La Cène et Mona Lisa—L'homme prototypique de la Renaissance.

Rubenstein qualifie ses lignes de «moelleuses, délicates et gracieuses. Il ne fait rien qui n'a pas les plus belles courbes. " Mais ses carnets de croquis font de Leonardo un innovateur.

«Il a été l'un des premiers à parler de sortir un cahier dans la rue», explique Rubenstein. "Leonardo a dit que vous devez avoir un contact direct avec la vie et observer les actions des hommes."

Ressources:

  • Maître dessinateur Leonardo da Vinci, par Carmen C. Bambach (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Leonardo da Vinci: The Complete Paintings and Drawings, de Frank Zollner et Johannes Nathan (Taschen, Cologne, Allemagne)

Michelangelo Buonarotti

Son plafond de la Chapelle Sixtine est l'un des exploits les plus célèbres de l'histoire de l'art, mais ceux qui s'intéressent aux dessins se concentrent sur les plus de 90 œuvres à la craie et à l'encre Michel-Ange (1475-1564) réalisées en préparation de cette commande et d'autres.

Certains artistes ont établi le parallèle entre le travail de ce maître italien et les formes fantastiques et musclées des bandes dessinées. Mais si un dessinateur en herbe au cours des 50 dernières années a abordé avec admiration l'anatomie humaine ondulée des bandes dessinées, il est venu avec admiration au travail de Michel-Ange.

«Grâce à sa maîtrise de la peinture, de la sculpture et de l'architecture, aucun artiste - à l'exception peut-être de Leonardo - n'était plus doué sur le plan technique», explique Rhoda Eitel-Porter, chef du département de dessin à la Morgan Library, à New York. .

"Ses figures s'exercent toujours", observe Rubenstein. «Ils cherchent quelque chose mais sont liés. Tous les muscles sont tendus simultanément, ce qui est anatomiquement impossible, mais profondément poétique. Michel-Ange a fait un paysage du corps humain. "

La raison est logique: Michel-Ange était sculpteur. La séparation entre le tactile et le visuel est rompue; l'artiste voit et dessine en trois dimensions. «Michel-Ange [a compris] qu'un muscle particulier a un caractère semblable à celui de l'égal, et il [irait] après cette forme avec sa craie», explique Rubenstein, soulignant que les marques sur ses dessins se concentrent de plus en plus sur des zones plus finies de la forme une manière qui met en parallèle les lignes de ciseau sur une sculpture inachevée. L'artiste a placé des hachures grossières à certains endroits, définissant plus soigneusement les hachures croisées dans d'autres, et un ton poli dans les zones les plus finies.

Le travail de Michel-Ange est marqué par deux autres traits: son dévouement presque complet au nu masculin et la sensualité omniprésente dans son art. Même les figures féminines de ses pièces étaient inspirées des hommes, et même ses draperies étaient sensuelles.

«Il pouvait dire tout ce qu'il voulait dire avec le nu masculin», note Rubenstein. «Il n'était pas distrait par quoi que ce soit d'autre - ni des paysages, ni des natures mortes, ni des nus féminins. À l'exception de son architecture, Michel-Ange était monolithiquement concentré sur le nu masculin, et même dans ses bâtiments, des parallèles pouvaient être établis avec le corps. »

Ressources:

  • Dessins de Michel-Ange: plus près du maître, par Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
  • Lessons From Michelangelo, par Michael Burban (Watson-Guptill Publications, New York, New York)

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471-1528) est sans doute le plus grand graveur de l'histoire. Il a publié plus de 350 gravures et gravures sur bois et réalisé au moins 35 peintures à l'huile, générant plus de 1 000 dessins préliminaires et aquarelles dans le processus.

Dürer a créé un certain nombre de gravures largement connues et emblématiques, et l'artiste de Nuremberg est très respecté et influent parmi les tiroirs. Sa représentation nuancée des formes - pas un exploit facile avec un outil de gravure rigide et impitoyable - est la raison pour laquelle de nombreux dessinateurs étudient et s'émerveillent de son travail.

«Son dessin est issu de la sensibilité d’un graveur», commente Rubenstein. «Il ne peut pas donner le ton; il doit éclore. Et personne ne reste sur la forme avec l'impitoyabilité de Dürer. »

Il était virtuose, mais peut-être pas innovant. «Je pense qu'il a beaucoup reçu des Italiens», explique Rubenstein, en référence à la visite de l'artiste à Venise pour voir un ami et enquêter sur l'art et les idées de l'Italie de la Renaissance. Mais son talent n'était pas seulement dans l'exécution de sa technique. Dürer a emballé beaucoup de contenu dans des gravures telles que Chevalier, mort et diable—Y compris deux figures fantasmagoriques qui fascinent mais ne dominent pas le reste de la composition — mais l'œil saisit facilement l'idée principale quand il ne se régale pas de racines et de galets merveilleusement rendus.

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«Vous réagissez à l'intensité et à la densité de l'image», déclare Rubenstein. «Dürer [dépeint] la bizarrerie des phénomènes naturels dans les moindres détails, mais il [était] capable de garder la grande composition claire et forte avec tout cela. Il [savait] que même dans la fragilité des arbres, il [devait] reculer un peu pour que le sablier [puisse] s'avancer. Il [contrôlait] tellement - il est comme un jongleur qui a 30 balles en l'air. "

Ressources:

  • Les gravures complètes, gravures et pointes sèches d'Albrecht Dürer, par Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
  • Albrecht Dürer et son héritage: l'œuvre graphique d'un artiste de la Renaissance, par Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)

Peter Paul Rubens

Le stéréotype fait que les artistes vivent dans un style de vie bohème pauvre, mais Peter Paul Rubens (1577-1640) est la preuve que certains artistes obtiennent un immense succès. Selon la plupart des témoignages, Rubens était un artiste respecté, riche et heureux qui collectionnait également des antiquités, élevait une grande famille et obtenait un ou deux traités de paix tout en étant diplomate de haut niveau. Il était un homme d'action très occupé, et le papier n'a jamais été gribouillé avec frivolité - presque tous ses dessins étaient des études préliminaires pour de plus grandes commissions.

On s’émerveille encore plus des belles lignes confiantes des dessins de Rubens, sachant qu’il les considérerait très certainement comme des documents de travail, impropres à l’exposition. Ce qui le rend spécial, c'est «sa maîtrise de la technique de la craie», selon Eitel-Porter. "Il lui fallait juste quelques coups pour évoquer non seulement la pose de la figure mais aussi son état émotionnel."

En effet, le peintre de cour belge a fait preuve d'une incroyable facilité dans ses dessins, avec un soupçon de bombe. Sa main était sûre. «Rubens a utilisé des marques naturellement robustes et confiantes et des gestes fluides», explique Rubenstein, qui admire en particulier les dessins de l'artiste réalisés en trois couleurs de craie. «La craie rouge est belle, mais sa portée est limitée - vous voulez souvent utiliser de la craie noire et de la craie blanche pour l'augmenter encore à chaque extrémité de la plage de valeurs», explique Rubenstein. "C'est comme la différence entre un accord et une note — étendre la portée de la craie rouge."

Ressources:

  • Peter Paul Rubens: The Drawings, par Anne-Marie S. Logan (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, par Mikhail Piotrovsky, (Prestel Publishing, Munich, Allemagne)

Rembrandt van Rijn

«Il était l'héritier de Léonard de Vinci en ce qu'il dessinait toujours d'après nature», explique Rubenstein en référence à Rembrandt (1606-1669). "Ses gestes étaient si vrais et pleins de vie."

Si Rubens était le peintre du pouvoir et de la cour royale, Rembrandt était l'artiste de l'humanité. Doué de la même capacité avec la ligne, le peintre et dessinateur néerlandais avait la capacité de dessiner très rapidement et d'ajouter en toute confiance des lavages simples qui établissaient efficacement des motifs de lumière sombre.

Le médium d'encre impitoyable n'était pas un obstacle à la poursuite par Rembrandt de l'action du moment; le dos de la robe de sa femme balaie de façon convaincante l'escalier Femme portant un enfant dans les escaliers, par exemple. Les mères et les enfants présentaient un intérêt particulier pour l'artiste, peut-être en partie parce qu'il avait perdu trois enfants à ses débuts; et la mort de sa femme a interrompu un mariage heureux.

"L'humanité de ses dessins ... vous ne le ressentez pas de manière si omniprésente dans le travail de quelqu'un d'autre", remarque Rubenstein. «Il [semblait] savoir ce que la mère [ressentait], ce que l'enfant [ressentait] - ce qui se passe dans la scène. Et il [avait] une ligne spontanée et incroyable qui pouvait montrer la structure de quelque chose, et pourtant elle [avait] son ​​propre sens calligraphique. »

Ressources:

  • Voyage de Rembrandt: peintre, dessinateur, graveur, par Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
  • Les dessins de Rembrandt et de son école, vol. I, par Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)
  • Dessins de Rembrandt et de son école, vol. II, par Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)

Charles Le Brun

Avec un pied dans les époques classique et baroque, Charles Le Brun (1619-1690) était un artiste qui a connu le succès tôt et avait les compétences politiques pour rester une figure dominante dans la cour française et l'Académie jusqu'à très tard dans la vie.

Le Brun était un élève de Vouet et un ami de Poussin, et ses compositions ont été construites sur des masses simples et de base, comme dans le classicisme. Et pourtant, ses figures pourraient hérisser avec l'énergie de l'art baroque, comme le montre la forme serpentine en Study pour Mucius Scaevola devant Porsenna.

Le Brun a fait plus que quiconque pour établir un style d'art français homogène pendant trois décennies au 17e siècle. Il accomplit cela à la fois par la politique et par la peinture - Le Brun fonda l'Académie française à Rome et, dans les années 1660, toute commission importante fut prise pour sa prise.

Les deux dessins présentés dans cette section illustrent bien comment le style de Le Brun a changé de façon pragmatique avec le temps, avec un succès à la fois artistique et matériel. «Une image montre la conception simple de toutes les formes, très équilibrée et posée comme un Raphaël; et l'autre montre une figure qui lutte si fort », s'émerveille Rubenstein.

"Même sans l'indication du cadavre, que ce chiffre soulève, nous sentons combien d'efforts il doit déployer pour supporter ce poids lourd." La caution de Le Brun avec les instruments de dessin était légendaire; un mythe affirmait que ce fils de sculpteur commença à dessiner dans le berceau.

Ressources:

  • Charles Le Brun: premier peintre du roi Louis XIV, par Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • L'expression des passions: l'origine et l'influence de la conférence de Charles Le Brun sur l'expression générale et particulière, par Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)

Edgar Degas

La transformation pour un dessinateur de dessiner des formes serrées et détaillées vers des lignes plus lâches et plus gestuelles est courante, mais ces exemples montrent que cette évolution dans Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) est particulièrement naturelle.

La beauté habite les deux œuvres, même si un spectateur typique ne peut pas associer les deux pièces à un même artiste. «Il essayait de cerner la figure dans ses premiers dessins», explique Rubenstein, «et dans les dessins ultérieurs, il la laissait libre».

La muse de Degas était la ballerine, et le mouvement et les mouvements de la danse exigeaient des croquis gestuels gratuits. Rubenstein souligne que même dans les croquis rapides, tels que Etude d'une danseuse en collants, Degas montre son génie de la composition: les genoux touchent presque les bords du papier et les formes négatives formées par les membres du danseur créent un design puissant. La beauté de la composition spontanée trahit les années d'expérience derrière cette étude.

Ressources:

  • Degas et la danse, par Jill DeVonyar et Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Edgar Degas: Life and Work, par Denys Sutton (Rizzoli International Publications, New York, New York)

Vincent Van Gogh

En plus d'être l'artiste prototypique affamé, Vincent van Gogh (1853-1890) était une sage-femme pour la naissance de l'art abstrait, comme en témoigne son Végétation sauvage. En tant que peintre, il est réputé pour sa couleur vibrante et audacieuse, mais les risques qu'il a pris avec la composition sont peut-être également responsables de sa réputation. Pour les tiroirs, van Gogh est également important pour sa création de marques.

«Van Gogh a développé un vocabulaire incroyable avec le stylo à roseau», explique Rubenstein. «Il a [inventé] une langue, avec tous ces différents types de marques: points, tirets, boucles, lignes longues et lignes courtes. Mais parce qu'il [était] dans un tel contrôle, cela [avait] du sens. Il [a fait] des rythmes. La nature n'a pas ces marques. "

Comparant Bouleaux Pollard à Végétation sauvage montre la croissance de l’artiste néerlandais du figuratif au presque complètement abstrait. La transition est moins visible dans le portrait Le Zouave, dans laquelle la majorité du visage est représentée avec une sorte de pointillisme tandis que des traits spécifiques, tels que le nez, sont formés de lignes classiques. "C'est un langage très personnel qu'il a [inventé]", commente Rubenstein. "Mais les marques elles-mêmes [sont] hypnotisantes."

Ressources:

  • Vincent van Gogh: The Drawings, par Colta Ives (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Van Gogh: Master Draftsman ,, par Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)

Egon Schiele

Né en Autriche, Egon Schiele (1890-1918) était un dandy couvert de vêtements bohèmes, un supposé pornographe, un narcissique déterminé et l'un des dessinateurs les plus provocateurs et les plus singuliers de l'ère moderne.

"Par rapport à, disons, Rembrandt, il n'y a pas beaucoup de gamme", explique Rubenstein. «Mais vous savez toujours si quelque chose est un Schiele. Comment cela peut-il arriver? Cela mérite réflexion. "

"Toutes ses exagérations sont réfléchies", poursuit Rubenstein. «Ses distorsions sont sur l'argent - l'indentation d'une hanche, la houle de la hanche, une ligne qui est clairement des ischio-jambiers. Les distorsions sont basées sur des repères anatomiques très précis. C’est ce qui les rend si dérangeants. Cela, et le fait que le squelette est souvent très présent. »

Schiele était décrié pour certains de ses dessins explicites de filles mineures, mais le rejet de tout son art érotique peut être une erreur. Rubenstein souligne que tout le monde ne peut pas réussir l'érotisme avec succès. L'art de Schiele défie non seulement son sujet, mais aussi les positions de ses sujets, les lignes errantes qui vibrent de tension et les couleurs bruyantes qu'il a employées.

"Regardez le rouge à côté du vert qui traverse la figure Combattant», Observe Rubenstein. "Il parle de quelque chose d'indicible."

Eitel-Porter est d'accord, "Son utilisation de couleurs non naturelles et son application gestuelle de la peinture, avec des traits visibles pour souligner l'expression, distinguent Schiele."

Ressources:

  • Egon Schiele: The Complete Works, par Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Egon Schiele: Dessins et aquarelles, par Jane Kallir (Thames Hudson, New York, New York)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867–1945) a vu beaucoup de souffrance et l'a dépeinte avec une empathie rarement rivalisée. Son mari était médecin pour les pauvres de Berlin, ce qui a probablement joué un rôle dans ses sympathies socialistes.

La perte de son fils pendant la Première Guerre mondiale a provoqué une longue dépression. Elle a également perdu un petit-fils dans la Seconde Guerre mondiale. En conséquence, ses images déchirantes de mères pleurant sur des enfants décédés résonnent.

«Et elle était un si grand dessinateur», explique Rubenstein. «Kollwitz pourrait faire tellement avec des formes simples. Ici, il peut y avoir quelques marques vaporeuses signifiant les cheveux; et puis… boum, vous êtes rivé dans cet œil avec quelques lignes fortes. »

Kollwitz était principalement une graphiste, confinant son travail en grande partie à l'imagerie en noir et blanc. «Son style audacieux et graphique reflète l'immense douleur et la souffrance humaine des personnes défavorisées», commente Eitel-Porter. "C’est la base de son sujet. Le monde qu'elle représente est voilé d'ombre; les touches de couleur ne sont que rarement introduites. »

Echoes Rubenstein, «Avec une telle simplicité, avec une telle économie de moyens, elle a exprimé une grande sympathie. Elle pouvait faire une déclaration humaine incroyable avec juste du bois brûlé [du charbon de bois] sur du papier. »

Ressources:

  • Catalogue de l'œuvre graphique complète de Käthe Kollwitz, par August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Dessins de Käthe Kollwitz, par Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)

* Contributions d'articles de Bob Bahr

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Pour plus de conseils de dessin, d'instructions, de connaissances d'experts et d'inspiration, consultez les numéros précédents deDessinmagazine.


Voir la vidéo: Aménagement de latelier Un tiroir pour les forets! mais pas que.. (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Husayn

    Et j'ai rencontré ça. Nous pouvons communiquer sur ce thème.

  2. Aralt

    Je m'excuse, mais, à mon avis, vous commettez une erreur. Discutons-en. Écrivez-moi dans PM.

  3. Nibar

    Ce n'est pas dommage d'imprimer un tel post, vous trouverez rarement un tel post, merci !

  4. Marji

    Informatif, continuez votre bon travail

  5. Marshal

    Droit dans le but :)

  6. Diego

    peut-être que je vais me taire



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