La vie d'artiste

Un moment avec Thomas Schaller

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Rencontrez le maître de l'aquarelle américaine - Thomas Schaller

Profitez de cette interview exclusive avec le maître aquarelliste américain, Thomas Schaller, ci-dessous pour en savoir plus sur ses peintures, ses inspirations, son processus et plus encore.

Venez étudier l'aquarelle avec Thomas dans la célèbre et belle campagne italienne en septembre à son Retraite en Toscane. Réservez votre place maintenant!

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?

Ayant grandi dans les régions rurales de l'Ohio, ma seule exposition au monde en général et à l'art en particulier était à travers les livres. Ma mère et ma grand-mère avaient toute une collection de livres d'art. Enfant, je les regardais sans fin; se perdre dans les histoires, les visions et l'imagination des artistes dans ces pages.

J'ai toujours aimé dessiner, me perdre dans des mondes imaginaires de ma propre création, bien au-delà de ce que je considérais comme le mien plutôt limité. Et donc la vie d'un artiste me semblait la meilleure possible. Et c'est devenu le tremplin pour tous mes rêves. Ma logique était que si je n'arrivais pas à voir tous les endroits merveilleux dont je rêvais, je pourrais au moins dessiner et peindre le mien - et peut-être même mieux - juste là dans mon carnet de croquis.

Et c'est donc dans cet état d'esprit que la nature rêveuse et fluide de la plupart des aquarelles que j'ai vues à ces débuts est devenue si particulièrement résonnante. Le travail ludique et puissamment imaginatif de John Marin et Charles Burchfield a vraiment frappé la maison. Et la clarté et l’émotivité honnêtes des aquarelles d’Edward Hopper me stupéfient même maintenant, de nombreuses années plus tard.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont inspiré?

Hormis ceux mentionnés ci-dessus, je me souviens avoir été choqué à environ 10 ans, par des images d'un certain nombre de paysages aquarelles de Turner. J'étais trop jeune pour vraiment comprendre, mais quelque chose dans la luminosité d'un autre monde et l'agitation émotionnelle dans ces œuvres inspirées m'ont attiré.

C'est le manque même de détails - le manque de «réponses» fournies - qui m'a contraint bien plus que les paysages marins très spécifiques ou articulés créés par d'autres. Turner semble presque mettre au défi le spectateur de résoudre un puzzle ou de percer un mystère dans ses œuvres.

Le médium de l'aquarelle semblait idéal pour ce genre de narration imprégnée de lumière, atmosphérique et chargée d'émotions. Et c'est toujours le cas.

Vous avez qualifié votre travail de «réalisme interprété». Pouvez-vous expliquer cela?

Je conseille toujours à mes groupes (et à moi-même) de ne pas peindre ce que nous voyons autant que ce que nous voyons nous fait ressentir. Ou en d'autres termes, je pourrais dire: "Essayez de peindre votre véritable inspiration - pas celle qui vous a inspiré."

Et je ne veux pas dire que cela semble aussi énigmatique ou prétentieux que cela pourrait l'être. Ce que je veux dire, c'est qu'une fois que nous commençons à peindre, le seul monde dans lequel nous vivons est là, sur le chevalet devant nous - nulle part ailleurs.

Quelle que soit la vue, la scène ou l'idée que cela ait pu nous inspirer, c'est la peinture qui compte à long terme. À mon avis, c'est le travail de l'artiste d'apporter une vision émotionnelle unique à notre peinture; pour interpréter ce que nous voyons, pas seulement essayer de produire un fac-similé.

Que recherchez-vous - ou qu'est-ce qui vous attire le plus - chez les sujets potentiels?

Les artistes peignent toujours je crois - même lorsque nous ne sommes pas au chevalet. Alors que je me déplace dans le monde, je remarque constamment des motifs fascinants d'obscurité et de lumière. Et c'est ce qui m'inspire beaucoup plus que des choses ou des scènes réelles.

Une grande partie de mon travail est informée et façonnée par des motifs de lumière. Mais ce qui m'inspire vraiment, ce sont les idées plus larges de connexion - de dialogue et de tension - entre forces opposées: obscurité et lumière, ombre et ombre, chaud et froid, perdu et retrouvé, etc. C'est dans le contraste et le pont occasionnel de résolution entre ces forces opposées que l'on retrouve toutes les questions que je souhaite que mon art pose.

Dessinez-vous sur place, travaillez-vous avec des photos ou les deux?

Je ne vais jamais nulle part sans carnet de croquis. Donc, si je ne peux pas peindre ce que je pourrais souhaiter sur place et dans l'instant, je ferai toujours un petit croquis rapide et approximatif de tout ce qui m'a inspiré. Bien plus que des photos, ces croquis sont des outils précieux car ils enregistrent mes impressions, mes réactions, mes sentiments sur un tableau potentiel.

Alors, si des jours ou même des mois plus tard, je choisis de peindre quelque chose qui m'a inspiré, ces impressions dans mon carnet de croquis peuvent me ramener directement à cet endroit, à ce moment-là, et je me souviendrai de ce que je ressentais et pourquoi je voulais peindre en premier lieu. Je les complète souvent avec des photographies également, mais j'essaie de peindre plus à partir de mes croquis qu'à partir des photos, car les croquis contiennent plus de choses réelles de l'art.

Vos peintures sont reconnues pour leur design sonore et leurs contrastes de valeur. Faites-vous des croquis de miniatures au crayon ou des études de valeur?

Oui, presque toujours. De tels croquis ne sont pas toujours absolument nécessaires, mais je les fais presque toujours de toute façon.

Ils aident à ancrer dans ma conscience l'essentiel d'une peinture potentielle - le meilleur format, les valeurs, l'organisation et la composition des formes sombres et claires. Ils me disent également quels éléments sont essentiels et quels détails peuvent être modifiés pour que ma peinture raconte son histoire le plus efficacement possible, sans rien d'inutile.

De plus, c’est mon objectif en peignant de penser moins et de ressentir davantage. Ces croquis sont donc un excellent moyen pour moi de faire en sorte que toutes mes réflexions soient à l'avance. Ensuite, je peux peindre à partir d'une position plus émotive et intuitive que je ne le ferais autrement.

Beaucoup de vos peintures présentent des sujets architecturaux impliquant la perspective. Faites-vous beaucoup de dessins préliminaires avant de commencer?

Non. Je fais tout à main levée sur la surface finale sans outils spéciaux ni constructions de perspective préliminaires. Mais pour être juste, j'étais aquarelliste en architecture commerciale pendant plus de 20 ans, donc le dessin en perspective est devenu une seconde nature pour moi.

Vos peintures sont réputées pour leur couleur saisissante et leur atmosphère. Faites-vous des croquis de couleur préliminaires?

Je me considère plus comme un peintre de valeur. J'ai encore beaucoup à apprendre - enfin tout - mais certainement sur la couleur. C'est important pour moi mais moins qu'une composition réussie de ténèbres et de lumières. Aucune couleur ne sauvera une peinture qui souffre d'une gamme de valeurs manquant de dynamique ou de force.

Il y a des années, l'un de mes premiers professeurs était la grande Jeanne Dobie qui reste l'une de nos plus grandes coloristes. Je continue à apprendre de ses enseignements même maintenant. Grâce à elle, j'ai appris le pouvoir des tonalités complémentaires et depuis, je m'adapte et m'étend sur ce thème. Je travaille presque exclusivement en complémentarité.

L'atmosphère, la tension et l'électricité satisfaisantes dans une aquarelle qui peuvent être obtenues lorsqu'une couleur saigne dans son complément est excitante - et comme rien d'autre qui peut être fait avec autant de succès sur un autre support.

Parfois, je ferai une étude préliminaire des couleurs, mais généralement pas. Cependant, j'ai toujours un plan de couleur de base à l'esprit, une base de deux tons complémentaires qui donneront le ton à la peinture. Et j'ai laissé le tableau évoluer comme il veut à partir de là.

Y a-t-il des couleurs sur lesquelles vous semblez compter - comme de vieux amis?

Eh bien, je suppose que oui, mais il est plus exact de dire qu'il existe des combinaisons de couleurs spécifiques sur lesquelles je m'appuie constamment. Ce sont presque toujours des compléments, un chaud et un frais. Le bleu de cobalt est donc un aliment de base de nombreuses palettes, la mienne incluse. Mais je ne pense jamais au bleu cobalt frais sans son complément chaleureux - rouge clair ou orange cadmium le plus souvent pour moi.

Il en va de même, dans un registre plus profond, pour le bleu outremer et la terre de Sienne brûlée; également des violettes et des jaunes, des rouges et des verts de différentes teintes. Dernièrement, j’ai expérimenté des peintures dans lesquelles j’utilise principalement une seule couleur, des nuances de bleu ou des nuances de violet peut-être. C’est alors un défi intéressant et passionnant de voir la puissance qu’un petit point d’orange peut avoir dans une peinture entièrement bleue, ou une petite zone de jaune dans une peinture entièrement violette.

Y a-t-il des couleurs que vous essayez d'éviter pour des raisons personnelles ou techniques?

Je préfère de loin les pigments principalement à base de sédiments. Étant donné que j'utilise des papiers assez texturés, ces pigments ont tendance à être un peu plus "lourds" lorsqu'ils sont dans une solution aqueuse et vont donc couler au fond d'un lavage - s'installant dans les encoches du papier et s'écoulant sur les pics. Il en résulte des peintures qui ont ce scintillement translucide et texturé qui peut être si caractéristique de l'aquarelle.

Pour la même raison, j'ai tendance à éviter les pigments à base de taches. Ils vont simplement teindre la surface du papier et, pour moi, peuvent donner un travail qui paraît plus plat - moins vivant.

Quel type de papier préférez-vous?

Dans les limites du raisonnable, plus il est texturé, mieux c'est (pour les raisons exposées ci-dessus). J'utilise donc le plus souvent Saunders Waterford ou Fabriano Artistico à surface rugueuse. Habituellement, j'évite les papiers plus épais car ils ont tendance à absorber trop de pigments et peuvent aplatir l'apparence d'une œuvre en séchant. Donc, 140 lb (300 g / m2) est le poids que je préfère habituellement.

Arches a une belle texture, mais a tendance à avoir beaucoup de dimensionnement. Bien qu'il soit idéal pour les bords plus durs, il n'est pas toujours aussi bon pour les effets humides sur humide. Avec des papiers plus mous tels que Saunders, la solution de peinture humide / eau se mélangera littéralement dans les fibres du papier lui-même.

Préparez-vous habituellement votre papier - en le mouillant, en le montant, etc.?

Si je travaille à plus grande échelle - format feuille entière et plus - j'agrafe généralement le papier sur une planche de civière pour éviter les problèmes de flambage. Si j'utilise un stock de grande taille, je vais le tremper et l'étirer également avant d'agrafer.

Mais pour des œuvres plus petites - une demi-feuille ou plus -, il suffit généralement de coller le papier sur une planche. Il peut se déformer un peu lorsqu'il est assez humide, mais il sèche parfaitement à plat.

Pouvez-vous dire tout de suite quand les choses ne fonctionnent pas bien dans une peinture?

C’est une excellente question, mais sans réponse claire. Je dirais que même quand je pense pouvoir le dire, je me trompe souvent. En fait, j'ai tort de poser même cette question.

Ce qui peut souvent arriver, c'est que nous avons une idée préconçue dans nos têtes sur la façon dont nous pensons que la peinture «devrait» aller, ou à quoi elle «devrait» ressembler. Mais quelque part en cours de route, il faut tourner à gauche et nous réagissons mal. Ce n'est pas la bonne réponse. Abandonner ces notions pour commencer et apprendre à écouter votre peinture au fil de son évolution est la bonne.

La peinture sait souvent ce qu'elle veut ou a besoin de plus que vous. Ce que je continue d'apprendre, c'est l'importance d'avoir un plan d'ensemble, mais aussi d'avoir la volonté de lâcher ce plan si le tableau me dit qu'il veut aller dans une autre direction.

L'aquarelle est un médium qui ne peut et ne doit jamais être complètement contrôlé ou «maîtrisé». Lorsque je me perds dans le processus de peinture - lorsque j'éteins mon esprit critique et que je peins simplement à partir de l'intuition et des sentiments - je sortirai toujours avec une peinture plus réussie que si je tentais de plier et de forcer le médium en une préconception boîte. La peinture résultante peut être très différente de ce que j'aurais pu imaginer au départ. Mais ce sera presque toujours mieux.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un jeune aquarelliste en herbe?

Mon meilleur conseil à quiconque sur n'importe quel sujet serait de ne pas prendre trop de conseils. Je le pense vraiment, et pas de façon ironique. Oui, bien sûr, nous devrions étudier auprès des maîtres; nous devons en tirer des enseignements et nous en inspirer. Ils peuvent nous ouvrir les yeux et faciliter notre chemin.

Mais en fin de compte, pour devenir bon dans n'importe quoi, nous devons tous simplement être prêts à consacrer le temps et l'effort à nous connaître et à forger nos propres chemins. Ce n'est qu'en agissant ainsi que nous pourrons espérer trouver notre propre voix, nous familiariser avec nos propres passions et sources d'inspiration.

Et autant que possible, nous devons essayer de ne pas trop nous comparer avec quelqu'un d'autre. Cela peut devenir une sorte de poison. Il engendre un type de compétitivité malsaine, et il peut favoriser à la fois le doute de soi inutile et la fierté de soi inutile - deux pièges dangereux.

Il est absurde de croire que nous pourrions jamais maîtriser complètement l’aquarelle. Mais nous devons peindre comme si nous croyions pouvoir le faire. C'est mon souhait pour nous tous d'aimer le processus d'effort, d'apprentissage et d'amélioration - peinture par peinture - comme une poursuite joyeuse de la vie.

Après tout, il n'y a pas une seule «bonne» façon de peindre à l'aquarelle, ou de faire presque n'importe quoi d'autre d'ailleurs. Il n'y a que la manière qui fonctionne le mieux pour vous, seulement la manière dont votre propre voix unique peut être formée et peut être entendue raconter les histoires dont vous seul pourriez jamais connaître les mots.

En savoir plus sur Thomas Schaller

Après une carrière de 20 ans à New York en tant qu'architecte et artiste architectural, Thomas Schaller est maintenant basé à Los Angeles où il travaille à plein temps en tant qu'artiste peignant à l'aquarelle. Membre Signature de l'AWS et du NWWS, Tom a également été récemment élu membre artiste du California Art Club et du Salmagundi Club à New York.

Le travail de Schaller a été accepté dans de nombreuses expositions prestigieuses à travers le monde - dont l'American Masters Exhibition, NYC; l'American Watercolour Society; la National Watercolour Society; l'exposition de la médaille d'or du California Art Club; la Biennale d'aquarelle de Shenzhen, Chine; la Biennale internationale d'aquarelle de Zhujiajiao, Chine; Exposition des maîtres de l'aquarelle, St. Petersberg; Exposition mondiale de Watermedia, Thaïlande; Acquarello à Fabriano, Italie; Eau en Couleurs, Belgique; Salon de l’Aquarelle du Haillan, France.

Des exemples de son travail ont récemment été ajoutés aux collections permanentes du Musée de dessin architectural de la Fondation Tchoban à Berlin et de la Pacific Arts Foundation à Newport Beach. Tom a écrit deux livres; le best-seller et lauréat du prix AIA,Architecture à l'aquarelle etL'art du dessin architectural. Il travaille actuellement sur son troisième livre et a récemment publié une série de vidéos et de DVD: Capturer la lumière à l'aquarelle: Peinture de figures, qui est disponible dès maintenant.

Vous pouvez en savoir plus sur Schaller et son art en visitant son site Web.


Voir la vidéo: Watercolor Demo. Chattanooga Dome Building. Iain Stewart (Août 2022).